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A propos d'Obligement
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David Brunet
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Point de vue : La désintégration de l'ancienne scène du graphisme
(Article écrit par Danny Geurtsen et extrait de NoCopy - janvier 1998)
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Beaucoup d'entre vous ont probablement appris ces dernières semaines que j'ai décidé de ne plus poursuivre
mes efforts créatifs pour la scène. Je sais que jusqu'à récemment, je n'ai montré aucun signe d'une
décision aussi radicale. En fait, dans une entrevue que j'ai donnée pour un magazine de la scène fin
1997, j'ai affirmé que j'allais devenir plus actif que je ne l'avais jamais été auparavant. Pendant
les périodes souvent longues entre les images que je publiais, j'ai continué à développer mes styles
et mes compétences.
Ma carrière professionnelle m'empêchait cependant de montrer à la scène les progrès que je m'obligeais
toujours à faire pour devenir un meilleur artiste. Lorsque mon emploi du temps chargé chez Eidos Interactive
s'est plus ou moins dégagé, j'ai eu l'occasion de m'investir sérieusement dans la scène et de montrer à
tout le monde les merveilleuses idées que j'avais pour de nouvelles pièces d'art.
Ce qui m'a d'abord empêché de le faire, c'est une compréhension progressive de la façon dont la scène a
évolué, ou plutôt s'est désintégrée en fractions. Des événements récents tels que le contenu décevant
du concours de graphisme de The Party 7, l'introduction d'une
page Web appelée "The No-Copy?-page" et d'autres
événements ont en quelque sorte été la goutte d'eau qui a fait déborder le vase pour moi. Pour que mon
point de vue soit clair, je vais commencer par le début...
Lorsque j'ai débuté au milieu de l'année 1992, la question de la numérisation n'existait pas encore.
Presque personne n'avait entendu parler de cette forme de technologie. Aujourd'hui, on dirait que c'est
l'inverse. Là où il y a de la concurrence, il y a du mauvais, du moyen, du bon, du mieux, du meilleur,
également dans le domaine de la démo. Comme les images de la scène sont de qualité de plus en plus élevée,
il est devenu plus difficile pour tout artiste en général de suivre et de rester au sommet. Les moins bons
artistes ont disparu des classements ou ont continué à sortir des images de moindre qualité...
Dans le même temps, l'industrie du logiciel et du matériel informatique s'est également améliorée.
De meilleurs programmes artistiques ont été créés, mais surtout, les prix des scanners et des numériseurs
ont baissé jusqu'à ce que le quidam moyen puisse les acheter. Les gens ont donc commencé à les acheter.
Après tout, il n'y a pas de meilleur moyen de montrer à ses amis ses photos de vacances, et n'est-ce
pas amusant de numériser des photos de personnes et de les modifier, en leur ajoutant des moustaches
géantes et des visages boutonneux. L'amusement est de mise.
Mais il y a toujours les plus malins parmi les artistes moins talentueux qui se battent pour suivre
le rythme (ou peut-être même qui débutent dans le monde difficile de la scène graphique). Ils pensaient
"J'aimerais bien pouvoir dessiner comme ça... ça ressemble presque à une photographie". Attendez une
seconde... photographie, scanner... j'ai un plan astucieux ! Je vais juste numériser des morceaux de
photos, les coller ensemble et les retoucher ici et là, signer et les gens penseront que je l'ai dessiné.
Je pourrais être célèbre... mon nom serait en haut des palmarès..."
Bien sûr, les toutes premières tentatives étaient grossières et tout le monde pouvait voir la différence.
Cependant, la tentation de vouloir devenir un artiste respecté, ou dans certains cas la pure paresse
d'autres personnes (même de certains artistes par ailleurs très compétents ; vous savez qui vous êtes)
semblait trop grande pour être ignorée. Les démos ont commencé à utiliser de l'art numérisé, les
concours de graphisme ont commencé à montrer de l'art numérisé, même les groupes de démo ont basé
tous leurs visuels sur des images numérisées... appelant cela une nouvelle forme de style.
Une grande partie de la scène ne pouvait cependant pas tolérer cette façon facile de produire des images,
et de nombreuses critiques ont été émises à l'encontre des contrevenants. Ceux-ci ont commencé à leur
tour à inventer des mensonges (en prétendant qu'ils étaient d'honnêtes artistes, en pixellisant tout
le reste). Au fur et à mesure que la pression augmentait, exigeant un art encore meilleur et plus
original, les mensonges se sont transformés en excuses astucieuses qui contournaient les règles et les
définitions que la scène artistique avait créées au cours de son évolution. Il suffit de répéter ces
excuses suffisamment longtemps pour que leur acceptation gagne du terrain. Et c'est ce qui s'est passé.
Ainsi, la scène s'est divisée en trois zones : ceux qui avaient accepté l'utilisation de l'imitation
numérique, ceux qui s'y opposaient et ceux qui s'en fichaient.
Il ne restait plus qu'une étape à franchir pour arriver au point où nous en sommes à l'heure où j'écris
ces lignes (le premier mois de 1998). Il y a un certain nombre d'artistes (même des artistes célèbres et
respectés) qui se sont exercés si longtemps à faire en sorte qu'une image numérisée ait l'air d'être
dessinée à la main, que leurs piètres efforts sont devenus presque indétectables. Il n'y a pratiquement
aucun moyen de savoir si l'image a été créée dans le sang, la sueur et les larmes, ou grâce aux pouvoirs
de la technologie moderne. Habituellement, un artiste faussement accusé de numérisation pouvait prouver
son innocence en montrant son "travail en cours", c'est-à-dire les étapes qu'il avait enregistrées tout
au long du processus de création. Aujourd'hui, il existe des groupes de personnes utilisant des scanners
qui reviennent sur leur image et créent des étapes intermédiaires à partir d'une numérisation retouchée.
Ils effacent certaines parties pour les noircir, tracent une ligne de croquis ici et là, vous voyez le
genre. Si les gens se donnent tant de mal pour dissimuler leurs mensonges et voler le respect que les
gens ont pour les artistes honnêtes, alors le plaisir pour moi dans la scène est terminé.
Une autre chose est que pour beaucoup de gens, l'utilisation d'un scanner est devenue tellement acceptée
qu'ils ne voient absolument rien de mal à l'utiliser. Souvent, leur opinion est que l'art peut être créé
de n'importe quelle manière. C'est certainement vrai et je ne vais pas le contester. Mais ce que je n'arrive
pas à m'ôter de la tête, c'est que ce nouveau média est si populaire auprès de personnes qui n'ont que peu
ou pas de talent pour le dessin.
Pour moi, l'art c'est deux choses. 1. Le sentiment qu'il procure. Faire de l'art est un sentiment très
relaxant et (pour moi) gratifiant. C'est aussi un moyen d'exprimer ses sentiments. 2. Le défi de la
compétition avec d'autres artistes de votre genre. Le défi d'essayer d'être l'un des meilleurs, de créer
l'image ultime. L'art devient intéressant lorsque vous pouvez combiner ces deux choses avec succès. Je
n'ai pas encore vu de photo numérisée et retouchée qui parvienne à combiner ces deux éléments avec succès.
S'il vous arrive de vous aventurer dans de nouveaux domaines de création artistique, tant mieux, mais
faites-le avec honnêteté et détermination pour faire quelque chose de spécial de ce média. Sinon, ne
vous donnez pas la peine, car vous ne vous démarquerez pas de la majorité fade et grise. L'art est
quelque chose de spécial, une majorité fade et grise ne l'est pas ! Numériser des photos de personnes,
faire des choses bizarres ici et là et passer des filtres dessus peut vous faire du bien et vous
permettre d'exprimer vos sentiments. Mais ce n'est pas spécial. Cela ne demande pas une véritable détermination.
Tout le monde peut le faire de cette façon. Numériser des images et dessiner par-dessus, ou les retoucher
pour leur donner une apparence de dessin à la main et prétendre que vous les avez dessinées, peut nécessiter
une petite forme de talent, mais ce n'est pas honnête et cela ne devrait pas être bien. Vous ne trompez que
vous-même au bout du compte.
Ce que les gens semblent toujours oublier, c'est que l'art peut prendre des formes très différentes. Même
en utilisant des scanners. Cependant, je n'ai encore jamais vu une image numérisée, collée et filtrée
qui ait établi un standard inatteignable par les autres. Et c'est pourquoi je ne prends pas ce média au sérieux.
Tout ce que je viens de décrire est si clair pour moi et, d'une certaine manière, cela semble si peu clair
pour la scène. Il y a tellement de débats à ce sujet, tellement de malentendus, tellement de mensonges, de
tricheries et des images de merde qui sont faites, que cela l'emporte sur le plaisir et les bons côtés de la scène.
J'ai fait de mon mieux pour produire des images de qualité, pour établir de nouvelles normes pour la scène.
Je sais que beaucoup de gens apprécient mes efforts. Cependant, de plus en plus souvent, je suis attaqué
sur IRC par des nouveaux venus sur la scène qui viennent juste de visiter la page No-Copy?. Ils me disent
que je suis un imposteur, que je numérise et que je ne suis pas un véritable artiste. Vu les nombreuses
heures que j'ai passées à dessiner mes graphismes pour la scène, ça fait mal. Alors naturellement, j'essaie
de me défendre. Cependant, dès que j'engage une conversation avec ces personnes pour essayer de leur faire
comprendre qu'elles ont tort, elles me disent que je dois être coupable parce que "la vérité fait mal",
comme elles disent.
Si je n'engage pas la conversation avec eux, ils prétendent que je les ignore parce que "la vérité fait mal"...
Maintenant, qu'est-ce que je suis censé faire avec ça ?! C'est vraiment une situation où je ne peux jamais
gagner, simplement parce que la scène est inondée de nouveaux venus qui n'ont jamais connu les racines de
la scène. Je ne peux pas me résoudre à passer du temps à dessiner des graphismes pour une scène qui perd la tête.
Comme je l'ai mentionné plus haut dans cet article, une autre chose qui m'a dérangé est l'attitude "copier/pas copier".
Oui, j'ai copié le travail d'artistes tels que Boris Vallejo et Don Lawrence, mais je l'ai fait pour les
raisons que tout bon artiste a copié le travail d'autres artistes. Pour apprendre, pour voir et pour aider
à trouver son propre style. Lorsque j'ai trouvé le mien, j'ai cessé d'utiliser les dessins et les peintures
des autres comme source d'inspiration. J'ai commencé à trouver ma propre inspiration dans les choses ordinaires
qui m'entourent, les photos dans les médias, les émissions de télévision, etc.
Puis, tout à coup, est apparue la page Web susmentionnée... la page "No-Copy?". Elle présente le travail
d'un artiste à côté du matériel de référence qu'il a utilisé. Rien de mal à cela. J'ai personnellement
trouvé ce site très intéressant à regarder. Cependant, il y a toujours des personnes étroites d'esprit
et à courte vue qui sont influencées négativement par cela.
Exemple de dessin numérisé sur No-Copy?
Ils qualifient immédiatement les artistes qui y sont présentés de copieurs minables, incapables de faire
quelque chose par eux-mêmes. Ils oublient totalement que depuis d'innombrables générations, les artistes
ont toujours utilisé des formes de référence pour aider à la création de leurs oeuvres d'art. Ils oublient
totalement que chaque artiste copie ! La seule différence est que l'un peut utiliser une photographie,
l'autre un modèle vivant, et un autre encore les arbres qui l'entourent.
Affirmeriez-vous que Rembrandt était un copieur lorsqu'il a aligné toutes ces personnes pour peindre
son tableau "La Veilleuse De Nuit" ? Ou serait-il un copieur même lorsqu'il a peint son propre reflet
dans le miroir en travaillant sur son célèbre autoportrait ? Monet est un copieur minable, assis au
milieu de la nature, se contentant de copier les choses qui l'entourent. Boris Vallejo est un faux
artiste minable parce qu'il a son propre studio photo dans sa maison pour pouvoir prendre des photos
de ses modèles qui l'aident à réaliser ses peintures ? Si c'est votre opinion, alors considérez que tous
les artistes qui ont vécu sont nuls ! (à l'exception peut-être de l'étrange artiste moderne qui considère
une toile entièrement bleue comme une oeuvre d'art).
Le fait est que tout le monde est inspiré par le monde qui l'entoure. Où fixer la limite ? Quand
une chose est-elle considérée comme acceptable et l'autre inacceptable ? Qu'est-ce qui est copié et
qu'est-ce qui ne l'est pas ? Souvent, les gens disent qu'ils ont plus de respect pour ceux qui n'utilisent
aucune référence (quoi que cela puisse vouloir dire, après tout, même la mémoire est une référence).
Le fait est que c'est juste un autre genre. Tout comme le dessin de modèle, la peinture de paysage ou
autre. Comme toute méthode, elle a ses avantages et ses inconvénients. Encore une fois, ce qui compte,
ce n'est pas comment vous le faites, mais ce que vous réalisez avec. C'est ce qui sépare les artistes
des non-artistes. Et encore une fois, je n'ai encore jamais vu une image dessinée sans référence (de
l'esprit) qui ait réussi à m'impressionner.
Une autre chose inquiétante est que les artistes sur ordinateur comme moi, qui dessinent tout à la main
jusqu'au dernier détail, ont beaucoup de mal à lutter contre les scanners. Il n'y a aucune autre forme
d'art qui connaît une situation similaire. Par exemple, un peintre conventionnel ne sera jamais accusé
d'avoir collé une photographie sur sa toile, tout simplement parce qu'il ne pourrait pas le faire. C'est
trop facile à repérer. Et s'il le faisait, il ne serait tout simplement pas pris au sérieux en tant que peintre.
Dans le monde de l'informatique, il est beaucoup plus facile de faire de l'art en laissant un processus
mécanique le faire pour vous. Cela me ramène également au reste de la scène. La raison pour laquelle on
se concentre tant sur les graphistes individuels est qu'il est incroyablement facile de les suivre.
Peut-être que l'accent devrait être mis sur la scène entière plutôt que sur les artistes seuls. Beaucoup
de codeurs prennent des tas d'informations et de codes sources dans des livres écrits sur le sujet.
Je veux dire, allez dans n'importe quelle librairie et vous pouvez trouver des étagères pleines de livres
sur la façon de coder des routines spécifiques. Même votre routine de base d'ombrage phong peut y être
trouvée. Et que dire de la question du piratage du code source. Combien de fois avons-nous vu une démo
présentant un nouvel effet génial et très original. Si original qu'il était incroyablement difficile à
concevoir. Puis, un mois ou deux après, d'autres démos ont commencé à montrer des effets similaires,
suivis par de plus en plus de copies de cet effet. En l'espace d'une demi-année, toutes les démos présentaient
cet effet.
Attendez une seconde... Cet effet n'était-il pas si radical ? Si révolutionnaire ? Si difficile à
inventer que personne ne l'a jamais fait auparavant ? Alors comment se fait-il que tout à coup, après
qu'un codeur l'ait introduit, tous les autres codeurs semblent avoir eu la même idée ingénieuse en
l'espace de quelques mois seulement !? Cela vous semble-t-il incroyablement suspect ou suis-je le seul ?
Je vais vous dire ce que c'est, c'est une autre forme de copie ! Et peut-être que cette forme de copie
pue tout autant que la numérisation et la retouche. Je suis sûr qu'il existe des codeurs intelligents
qui ont juste besoin de voir un effet pour comprendre comment il a été réalisé. Mais nous savons tous
que la plupart des codeurs ne s'arrêtent pas à cela. L'un regarde l'effet lui-même, un autre jette un
coup d'oeil au code source, et le suivant commence à déchirer le code.
Et qu'en est-il des musiciens ? Combien de fois les musiciens ont-ils échantillonné des parties entières
de CD ou de disques ? Ou utilisent des CD d'échantillons ? Des CD remplis de sons de toutes sortes d'instruments
de musique et d'effets sonores. Ou brancher un échantillonneur à un synthétiseur et obtenir ainsi des
échantillons d'instruments ? Et puis ils prétendent toujours qu'ils font leurs propres échantillons. Qu'est-ce
qui serait propre alors ? Le fait qu'ils aient pris le temps de le sortir d'un clavier et de le transformer
en un échantillon pour FastTracker ?
Si vous exigez des artistes qu'ils n'utilisent aucune forme de référence, comment cela se traduirait-il
pour les musiciens ? Créer tous vos propres sons en construisant des formes d'onde à la main, et en
utilisant simplement votre mémoire sur ce à quoi ressemble une guitare ? Bien sûr que non, personne ne
fait ça. Considérez les "styles" de musique. Je me souviens de l'époque où de nouveaux styles de musique
comme le rap, la techno, la trance, la jungle, la drum'n bass, etc. étaient populaires auprès du public.
Les musiciens de la scène n'ont pas tardé à s'en emparer (ou devrais-je dire à les copier ?). Ce que je
veux dire, c'est que tout le monde copie. Certains le font pour apprendre, d'autres pour s'approprier un
peu de gloire dans un environnement très difficile. Ce ne sont pas seulement les artistes qui copient,
c'est toute la scène. Et tous ceux qui font une forme d'art. Les artistes se font juste engueuler pour
ça parce que c'est plus facile à repérer.
La scène devrait se regarder en face...
En tant qu'artiste, j'ai copié d'autres artistes dans le passé, juste pour apprendre à faire mes propres
trucs maintenant, ici, chez Eidos Interactive. On ne m'aurait pas demandé de rejoindre Eidos Interactive
et de créer des images de haute qualité à des fins commerciaux pour leur jeu à succès Tomb Raider 2 si
je n'avais pas ce qu'il faut. Je ne serais pas chez Eidos Interactive si j'étais simplement capable de
copier d'autres artistes comme le prétendent certaines personnes du milieu.
Au moins, dans l'industrie professionnelle, les artistes sont traités comme ils devraient l'être. Les
gens savent de quoi ils parlent. Je crains de ne pas pouvoir en dire autant de la scène.
Si les gens sont d'accord avec ce que je viens de dire, j'espère qu'ils y prêteront attention. Je n'ai pas
l'intention d'essayer de changer la scène, si ce n'est en essayant de lui ouvrir les yeux et de rétablir
certains faits.
Pour finir, je voudrais dire qu'il y a encore beaucoup de bonnes choses dans ce milieu. Comme l'amitié
par exemple. Je serai toujours joignable sur IRC de temps en temps (si vous pouvez me trouver :))
pour passer du temps à discuter avec mes amis et mes camarades ex-TBL. J'espère que vous avez tous
apprécié les graphismes...
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